威廉·德·庫寧

1904年4月24日，出生於荷蘭的鹿特丹市。

1916—1924年，就讀鹿特丹美術學校。

1924年，他遊覽比利時，參觀那裏的博物館，並在布魯塞爾和安特衞普學習。

1926年，他從荷蘭移民美國新澤西州，做油漆工。 ^[2] 

1927年，他來到紐約，靠從事商業美術謀生，並繼續作畫。在紐約，他結識了終生摯友戈爾基，他倆在一間畫室裏作畫，互相觀摩學習，彼此影響。受A.戈爾基和J.波洛克的影響，改變了早期寫實的手法，嘗試用R.畢加索和w.康定斯基的抽象形式作人物畫。

20世紀30年代，是德·庫寧探索和嘗試的階段。這一階段的作品手法多樣，面貌各異，主要作品是為藝術聯合會威廉斯堡房產聯營會作的壁畫草圖和為紐約1939年世界博覽會所作的壁畫。

30年代的畫壇時尚是立體主義和超現實主義。在二戰中，西方藝術的中心就已經從歐洲轉移到了美國紐約。移民藝術家與美國本土傳統結合後導致了新的觀念和風格的誕生。抽象成為風格的主要載體，抽象表現主義以紐約為中心，向戰後世界漫布開來。抽象表現主義藝術家反對傳統的藝術觀念和繪畫技術，他們期望擴展藝術創作的進程。抽象表現主義者把自己看作是探尋通向未來道路的領袖。這些紐約藝術家把他們的藝術看作是一種鬥爭的武器，以尋求在一個日益變得瘋狂的世界保持人性。畫家馬克思韋爾寫到：“抽象藝術的出現是一個信號，表示在這個世界上還有人的感覺存在。”

40—50年代，是德·庫寧個人風格形成時期。他與戈爾基、波洛克等人積極合作，成為美國抽象表現主義的核心成員之一。德·庫寧的獨創性在他創作於20世紀40年代的抽象作品中充分地展現出來了。他的筆觸迅疾、粗重、猛烈，再加上黑瓷漆等各種新材料的使用，繪製出的形象分解程度越來越高，充分地表達了其躁動不寧的情緒。經過漫長的風格上的實驗和漸變過程，德·庫寧終於在50年代成為新行動畫派的大師之一。他同波洛克一起代表着該畫派所擁有的巨大力量，發展了一系列重要的繪畫概念，為後人進一步探索繪畫藝術找到了新的出發點。

1945年，德·庫寧在創作《粉紅色天使》時，開始了一種全新的心理動力學繪畫：畫家通過手的動作直接將強弱不同的力度傳送到畫布上，組合出作品的整體性。

1948年，在c.伊根畫廊舉辦首次個人畫展，展出了過去兩年內創作的黑白兩色油畫。早已得到藝術界認可的他從此名聲大振，為公眾所認識。這個時期的作品主要描繪肖像和裸體。最有代表性的作品是一組女性形象的連作，如《女人6號》(1953)、《女人與自行車》（1952-1953）等，綜合了康定斯基、波洛克、畢加索等人的手法，創造了人物形象與背景融合混雜的空間，即他所稱的無環境繪畫。這種特點一直保留在他晚期的繪畫中，即使是純抽象形式的繪畫，仍可感觸到人與自然間的關係以及這種特有的空間混雜性，如《誰的名字寫在水上》(1975)。

這些婦女形象是德·庫寧個人風格的標誌。德·庫寧在談到這批作品時曾這樣説，“我看着它們，它們顯得喧囂而兇惡。我想這與偶像、神諭的想象，首先是與這些東西的熱鬧場面有關。”人像是以強烈激情刻畫出來的，筆觸縱橫交錯，色彩肆意揮灑，沒有明晰的界限和秩序，是德·庫寧的“心靈即興創作”。他説：“秩序對我而言，是被支配，是一種限制。限制是必須被排除的，必須被克服的。”他的藝術闡釋了他的觀念，為他奠定了抽象表現主義大師的地位。表現女性的面目不是以柔美可人示人，而以猙獰怪誕來表現，但又不完全抹煞具體無形的形象，這一點又與其他抽象表現主義藝術家不同。他曾説：“即使是抽象的形狀也必須有類似的形體。”

1970年代中期以後，他又以寬大畫刀創作了一系列巨大的抽象風景畫。

1980年代，他又改變了風格，如用絲般柔滑的色帶彎曲纏繞來裝飾構圖，以廣泛的題材和多變的風格構置了一系列畫面結構。《無題》則是他1980年代的作品，此時彷彿色彩隱身，筆觸靈動，色彩交錯成了自由流動的線條，昭示着德·庫寧對自然和生命的永不滿足，促使德·庫寧發掘新的形式詮釋生命。正如他所説的，“繪畫在當今是生活的一種方式。一種生活的風格，這是它的形式依據。”

1980年，德·庫寧與西班牙籍雕塑家E.基利達共同獲得美國匹茨堡A.W.梅隆國際獎。

1997年3月19日，卒於美國紐約東漢普頓。

德庫寧晚年的創作，人體逐漸減少，抽象繪畫特別是抽象風景畫數量大增。他在時代的喧囂中保持着獨特的清醒姿態。他的潮水般的情緒在其繪畫中起落着，隨着筆觸的運行、色彩的變換而呈現出令人激動的美感。他否認風格理論，指責風格是一種欺詐，宣稱自己的繪畫沒有風格。把他的這種理論與托馬斯·赫茲對他的批評相對比，倒是別有趣味：“對於德庫寧，最重要的是包括一切，什麼也不放過，即使它意味着在矛盾的騷動中工作，而矛盾和騷動恰恰是他最喜愛的手段。”德庫寧對所謂“矛盾和騷動”滿不在乎，他的回答是：“任何一種繪畫，都是當今生活的一種方式，或者説是一種生存方式。”當然，畫家可以選擇自己喜愛的方式生活，而喜愛可能一成不變，也可能天天都在變。

威廉·德·庫寧的作品(4張)

德庫寧的創作，集中於抽象、女人和男人這三個系列，而其中，尤以女人系列最出名，它實際上幾乎與他的繪畫生涯相始終。他把繪畫看作體驗、表達、實現自由的過程，他以舞蹈表演一般的在旁人看來近乎誇張的激情姿態從事繪畫創作，在這一點上，他與波洛克的蹦蹦跳跳是相同的。在他的畫面上，不論形象的或抽象的內容，都沒有任何的約束，構圖、空間、透視、平衡，等等傳統繪畫技法和審美觀念一掃而空。他討厭一切橫加給繪畫的束縛，運筆異常大膽，落筆果斷堅決，迅猛有力。入選1955年威尼斯雙年展的《挖掘》，評論指出，“色彩又明顯地回到了繪畫中，那種令人難忘的荷蘭女性的粉紅、白色和黃色。同時色彩也表示了某種甚至更為性感的東西，被劈開的人體開口處到處是紅色，……色彩最終給那嵌入的鑽石形狀賦予一種少有的強度，在這幅畫裏，觀眾的眼睛與畫中的眼睛融合到了一起。”

威廉·德·庫寧作為舉世公認的抽象表現主義的傑出代表，德·庫寧、羅特科（Mark Rothko）、傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）其畫作已經漸漸地從市場走向博物館，使得他們留存於市場的一小部分作品立刻身價倍增。諸如娛樂界大亨大衞·格芬曾以2.835億美元的高價售出了他們3人的3幅作品。收藏界的新貴們喜歡德·庫寧的作品，“德·庫寧是這個市場的新羅斯科，但和羅斯科不同，德·庫寧還有很多作品在市場上流通。”2006年，德·庫寧的12件作品以1.05億元的高價列入全球20家最重要藝術大師作品拍賣行列。

Martha Schwendener在《村之聲》（Village Voice）雜誌上的文章那樣，她以不完全贊同的態度寫道，德庫寧近期的“女性”畫作將“女性”表現為身體，妥協調和與商品化就以最顯著的方式發生在了這樣的身體之上。兩年前，藝術史家約翰·柯利（John J. Curley）發表了一篇文章，對《哈瓦那郊區》（A Suburb in Havana, 1958）這幅畫上反覆出現的彎曲筆觸和隨處可見的麥當勞（McDonald's）餐廳建築進行比較，（這是四五十年代高速公路兩邊新出現的一項顯著發展，而德庫寧也一定在高速公路上見過這些店鋪），柯利得出了這樣的結論：德庫寧開始創造一種筆觸，這樣的筆觸有些模糊暖味，它既固定在其自身的物質性當中，同時又臣服於調和的邏輯。 ^[1]  作為一代藝術大師，德·庫寧以多樣的藝術語言色彩，素描、雕塑等形式留給我們觀者心靈與心靈的溝通與感悟，藝術總在經歷巨大的變化，但是正如德·庫寧所言，藝術是一種“理解生活”的工具。在他創作生涯中，人體成為其繪畫創作的主體，加以風景及書寫的符號來發展他的抽象世界。他將歐洲立體主義、超現實主義與表現主義的風格融於自己大而有力的繪畫行為之中，把激進藝術的理念融化在自己的藝術世界裏。即使是極端的繪畫作品也具有藝術美感，試圖喚醒人們心中一種與所有生命事物的內在關聯感。