波普藝術

“Pop”是“通俗”“流行”的意思，最早出現在1958年英國批評家勞倫斯·阿洛維（Lawrence Alloway）在《建築文摘》中的文章，用於形容戰後英國呈現出的消費主義文化。波普藝術起源於20世紀50年代的英國，60年代傳到美國。在波普藝術中，現代藝術的原創性、獨特性和英雄史詩般的意義被日常的大眾生產所取代，“高藝術”與“低藝術”的鴻溝逐漸被沖走。波普藝術家們關注通俗文化中的圖像，比如廣告欄、連環畫、雜誌和超市商品的圖像。他們反對抽象表現主義的精英思想，讚美日常生活中的平凡之美。 ^[2] 

一般認為，波普藝術是從20世紀50年代中後期開始的，首先在英國由一羣自稱“獨立團體”（Independent Group）的藝術家、批評家和建築師創建，其中包括藝術家愛德華多·保羅茲（Eduardo Paolozzi）, 理查德·漢密爾頓（Richard Hamilton）, 建築師艾莉森·史密森（Alison Smithson）和彼得·史密森（Peter Smithson），以及批評家勞倫斯·阿洛維和雷內爾·班海姆（Reyner Banham）。他們對於新興的都市大眾文化十分感興趣，喜歡用大眾消費品進行創作。

1956年，獨立團體舉行了畫展“這就是明日”（This is Tomorrow），其中展出了理查德·漢密爾頓的拼貼畫《究竟是什麼使今日家庭如此不同，如此有吸引力？》，畫面中的棒棒糖上印着“POP”一詞。該詞來自於英文的“Popular”，在漢語中一般地音譯為“波普”。該畫作被認為是波普藝術的第一件標誌性作品。

1957年，漢密爾頓為“波普”下了定義，認為其是“流行的（面向大眾而設計的），轉瞬即逝的（短期方案），可隨意消耗的（容易被遺忘的），廉價的，批量生產的，屬於年輕人的（以青年為目標），詼諧風趣的，性感的，惡搞的，魅惑人的，是一個大產業” ^[3]  。

與此同時，1950年代中期的美國藝術家開始搭建通向波普藝術的橋樑。深受達達主義及其對挪用和日常物品的重視的影響，藝術家們開始越來越多地使用拼貼畫、消費品和温和的諷刺手法。賈斯伯·瓊斯（Jasper Johns）重新構想了美國國旗等標誌性圖像；羅伯特·勞森伯格（Robert Rauschenberg）使用絲網印刷技術和現成品；拉里·裏弗斯（Larry Rivers）使用大量商品圖像。三人都被認為是美國波普藝術的先驅。

但直到20世紀60年代，波普藝術才真正在美國藝術界爆發。1962年，波普藝術展“新現實主義者”在紐約的西德尼· 詹尼斯畫廊舉辦。該展覽展出了包括安迪·沃霍爾（Andy Warhol）、吉姆·戴恩（Jim Dine）、羅伯特·印第安納（Robert Indiana）、羅伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）、克拉斯·奧登伯格（Claes Oldenburg）、詹姆斯·羅森奎斯特（James Rosenquist）等美國藝術家的作品。

沃霍爾的工作室——頗具革命性的“工廠”（Factory）對一個時代的藝術進行了重新定義，其實踐為大規模生產、名望和藝術家的公眾形象等議題提供新的視角。沃霍爾的“工廠”以流水線的方式印刷絲網版畫作品，而音樂家、演員和作家們則常在“工廠”煙霧繚繞的環境中游蕩。從瑪麗蓮·夢露到貓王，他的名人版畫位列20世紀最知名藝術品。

與此同時，利希滕斯坦開始使用漫畫書中的本戴點和圖像來交替創作表達浪漫愛情的戲劇性作品；奧登伯格開始將快餐和日常用品創作成雕塑；而羅森奎斯特則發揮了其曾為廣告牌畫家的優勢，繪製出充滿超現實效果的糖果色汽車、微笑的臉龐或商品廣告。波普藝術代表了對抽象表現主義的拒絕，完全接受了戰後美國的消費主義、流行文化和諷刺性的奇思妙想。

波普藝術並沒有在20世紀60年代結束。基思·哈林 (Keith Haring) 也被認為是一位開創性的波普藝術家，儘管他的作品直到70年代末和80年代初才嶄露頭角。他的塗鴉壁畫在很大程度上借鑑了前輩藝術家的突破，而他創作的二維的卡通形式也為街頭藝術的出現鋪平了道路。 ^[4] 

波普藝術在今天繼續蓬勃發展。傑夫·昆斯（Jeff Koons）被視作新波普的代表。而日本藝術家村上隆和奈良美智則是重要的日本波普藝術家。村上隆用“超扁平”一詞來定義他的藝術。他常常用可愛的流行文化元素，如微笑的花朵和頭骨來創作作品，通常具有諷刺效果。在和奢侈品品牌路易·威登的合作中，他的花卉圖案出現在奢侈手袋上，這或許證實了安迪·沃霍爾的預感，即藝術和消費文化將日益交織在一起。 沃霍爾曾説：“賺錢是藝術，工作是藝術，好生意是最好的藝術。”這句話放在今天，仍有很多藝術家深表同意。 ^[4]