讓·法布爾

讓·法布爾向來被稱為是一位“什麼都碰”的藝術家，造型作品曾經參加過威尼斯雙年展與德國卡塞爾（Kassel）文獻展，著作被翻譯成各國文字，光怪陸離的舞作或劇作更是讓世界各地無數劇場愛好者趨之若鶩，其中就包括比利時女皇。

比利時女皇邀請讓·法布爾幫布魯塞爾皇宮的鏡廳室內屋頂重新上裝。讓·法布爾將140萬隻泡過福爾馬林的甲蟲標本黏貼在皇宮室內的屋頂上，女皇Paola甚至親自爬上鷹架，以甲蟲標本在屋頂的中央貼出一個字母P。最後整件作品在燈光的照射下，呈現出一種詭異耀眼的美感。

讓·法布爾1958年生於比利時的安特衞普，曾就讀於安特衞普美術學院，畢業後開始寫劇本並進行演出，在舞台上表現出了極度自由的風格。他同時也是一位造型藝術家。當他在安特衞普皇家藝術學院以及裝飾藝術學院完成學業以後，便以挑逗的“行為”和“非公開的表演”為開端，在20世紀70年代晚期活躍於行為藝術領域，做了一些煽動性的“行動”和“個人行為藝術”。

作為上世紀80年代比利時新佛蘭芒運動的閃亮明星和領軍人物，他既是一個視覺藝術家，一個設計師，又是劇作家。他是當代歐洲劇場創作中最具創新精神的代表之一。從1980年開始，他開始從事戲劇、歌劇和舞蹈表演。並創立了極具創造力的團體——Troubleyn。

他的戲劇方面的作品與眾不同的特點是，生動的舞台圖像設計。他既是劇作者，又是佈景燈光設計者。這些作品非常重要的方面是他的戲劇空間是封閉的。在舞蹈表演中，他借用了他自己的視覺藝術中的“分散的空間”的概念，於是空間被設定在動作之中，而舞者在移動時會感到受限。這樣的做法，表現了宇宙秩序和混亂之間的張力。

因為這些富有創造性的表現，他變得世界知名，在1982年，他進行了一場8小時長的行為表演，名為“這是一個人們應該等待和期待的劇場”。1984年，“戲劇性狂暴的力量”（The power of theatrical frenzy） ，在威尼斯雙年展上表演。而作品Dance sections (1987)則作為第八屆德國卡塞爾文獻展的一部分。此外，他最初的歌劇嘗試是在1990年，安特衞普的佛蘭芒歌劇院。同樣在法蘭克福，他創作了芭蕾行為表演“一個巴掌鼓掌的聲音”。他的舞台作品一如既往地追求絕對的美和精神性。他把他自己和他的舞者們稱為“美的守衞者”。他被認為是20世紀90年代在視覺藝術和戲劇界非常重要的人物。

在讓·法布爾以往25年的創作經歷中，他的藝術創作總是被爭議的。時間、身體的可塑性與質變是讓·法布爾不斷嘗試的主題。將馬戲團小丑與西方古典繪畫、芭蕾舞混合，讓一向優雅的貴族藝術起了微妙的變化。他放棄了現有戲劇的特徵，即“表演現在時”（有時被稱作“現場裝置”），去探索激進的編創可能性，從中發現新的表達方式。

他自己常常是行為藝術的參與者。The Bic-Art Room 是讓·法布爾在1980年創作的行為藝術。他被關在一個白色的立方體中，關了三天三夜。立方體中充滿了物體。而他則在其中用藍色的Bic 牌圓珠筆繪圖。第二年，這一行為藝術又在另一個地點重複表演。此外，他多次和其他行為藝術家表演行為藝術，形式匪夷所思。

2005年的阿維尼翁藝術節邀請讓·法布爾作為藝術策劃，這無疑是他的劇場表演藝術觀念達到一個頂峯的標誌。

展覽：讓·法布爾(Jan Fabre)—變態的天使

地點：法國盧浮宮

時間：2008年4月11日～7月7日

在盛譽之下，法國盧浮宮為了繼續踐行它對當代藝術和在世藝術家的開放政策，今年春天，向讓·法布爾伸出了橄欖枝，邀請他來盧浮宮舉辦展覽。

此次展覽在展廳內置放了30件作品。正如評論家Clarisse Fabre寫道：“圓珠筆素描，骨雕，Fabre的血畫成的畫，身着盔甲的武士錄像，這些都成為了 Bosch（波許）, Rubens（魯本斯）, Van Eyck（凡·艾克）, Rembrandt（倫伯朗）作品的新鄰居。”透過這位重要當代藝術家的眼睛，觀者將在掛滿佛蘭芒畫派，荷蘭畫派和德國畫派作品的長廊內，重新發現古典藝術大師們的名作。

對一些參觀者而言，Fabre的作品令人“大開眼界”，但有的人也覺得“過於表面化”，“矯揉造作”，“以自我為中心”。讓·法布爾，這位50歲的藝術家，早已習慣了這種褒貶不一的評價：“有人説我是天才，有人認為我不過是個騙子。白天在展覽場館中半夢半醒，晚上獨自一人在這些繪畫中徘徊，我覺得很快樂，就好像一個在沙池裏玩耍的小孩一樣。”

他的作品中不斷出現的裸露、自殘、暴力，血、尿、眼淚、精子的運用挑釁了中產階級的道德觀。

在讓·法布爾早期的行為藝術作品中，就已經不斷出現性暴力與凌虐的場面。甚至在表演時將從觀眾借來的鈔票焚燒，再以灰燼作畫。戲劇作品中不斷出現的裸露、自殘、暴力，血、尿、精子的運用改變了劇場運作的可能性，同時挑釁了中產階級保守的道德觀，經常引起一半的觀眾憤怒離席，但是，留下的另一半觀眾則鼓掌叫好，認為這位天才藝術家讓身體在藝術中的美重新成為可能。他不斷地去觸探現代戲劇、舞蹈的底線，甚至以身體可能存在的各種樣式為前提，創作他所謂的“活的裝置”。

他的第一幅圖畫日期是1975年，從那以後，他一直致力於研究圖畫這一媒介。他致力於研究將圖畫作為一種獨立的媒介，他也用了不同的材料，諸如血液、眼淚、精液。比較著名的是系列圖繪“藍色的時間” （The Blue Hour） (1988)。對他來説，美是一場永無休止的爭奪戰，必須以時間來換取觀眾的接受。 ^[1]