永恆之門

19世紀80年代末的巴黎，梵高（威廉·達福飾）還是一位被排斥在藝術圈之外的獨立藝術家。他的藝術品商人弟弟提奧（魯伯特·弗蘭德飾）無法出售他的作品，人們對懸掛在擁擠咖啡館裏的作品興趣不大。只有高更（奧斯卡·伊薩克飾）沒有去追捧那些主流的巴黎藝術家，他對梵高的畫作有一種隱藏的欣賞之情。梵高渴望離開灰色的天空和霧，希望看到陽光和空氣。幾乎身無分文的他搬到了法國南部的阿爾勒小鎮，在那裏度過了一個嚴酷的冬天，他租下了一間黃房子，開始沉浸在自然的世界中 ^[3]  。即使作品不受待見，梵高也依然頂着壓力下繼續創作，最終因為精神頻繁崩潰被關進了精神病院 ^[2]  。

（參考資料來源 ^[4]  ）

（參考資料來源 ^[2-3]  ）

劇照+海報(15張)

《永恆之門》裏充斥着導演朱利安·施納貝爾非常強烈的風格化影像，從無拘無束的手持攝影，到廣角鏡頭、濾鏡、黑屏獨白、鋼琴配樂等等。很顯然，導演並不是在拍攝一部很常規的梵高傳記片，而是透過他創作與生活中的零碎片段，讓觀眾逐漸進入到梵高的思想世界裏。然而，這些獨特的風格對於觀眾來説卻顯得曲高和寡。黑屏後用獨白説出內心話語、濾鏡展現眼前的模糊影像等等風格化的視聽手段，確實能生動有效地呈現出他孤立而不被理解的個性，但卻很難與觀眾進行有效溝通，就像當時梵高的精神狀態逐漸與外界格格不入，不被主流觀眾和市場接受一樣。不過，單純從視覺層面來看，影片非常唯美。因為導演本身就是畫家的關係，整部影片的畫面就像是一幅幅油畫剪接而成，深藍和暖黃也是屬於梵高的基本色調。畫面裏描繪了不少梵高繪畫過程的鏡頭，充分表現出他獨特的創作風格：大自然主題、急促的畫風、厚重的顏料。影片的鏡頭捕捉到了地面、綠草、樹葉和樹根，最引人注目的畫面是一片向日葵的田野 ^[2]  （《新京報》評）。

《永恆之門》大概是想通過影像來還原梵高生命的最後一站，更想從視聽上來捕捉到梵高的藝術創作力。前一個目標很好的實現了，但是影片在實現第二個目標的過程中出了問題。梵高的創作過程是以冗長的MV式影像呈現的，糟糕且重複的鋼琴曲連綿不斷，手持鏡頭不斷圍着烈日下的梵高游來蕩去，直接造成影片抒情氾濫毫無節制。同時還多次嘗試通過主觀鏡頭來洞悉梵高眼中的世界，但是手法雖然極度風格化卻顯得特別低端。而更糟糕的是每個演員的客串都像龍套一樣跑到鏡頭前晃一下説幾句台詞然後就消失了，像極了《建國大業》式的明星堆砌，幸好作為主演的威廉·達福用演技撐起了整部片 ^[8]  （1905電影網評）。

《永恆之門》沒有洞察到畫家梵高的人生精髓，影片展示了他無限的痛苦，卻沒有真正深入到人物的靈魂。當然，男主角威廉·達福還是用演技很好的演繹了這位集瘋狂與理智為一體的畫家。無論從哪個層面來衡量，《永恆之門》都是一部粗糙的極不平衡的電影——原始而刻意不加修飾的風格，搖晃的手持攝影機和廣角鏡頭，這些鏡頭反映了不安的心緒，但並無意義。影片的配樂也不太和諧，它敲擊出的音符就像一架破舊的需要調音的酒吧鋼琴。在影片的大部分時間裏，導演都象徵性地在法語和英語之間轉換，極其笨拙。大多數觀察者都認為梵高畫作的觸覺密度顯得笨拙而不雅，但導演朱利安·施納貝爾卻在片中開掘出了一種視覺和色調上的關聯性，為這部獨特的傳記片賦予了一種令人振奮的粗礪的生命力 ^[3]  （《好萊塢報道者》評）。