電影

電影是19世紀美國國家生活水平上升大眾產生新需求的娛樂產物。

電影根據視覺暫留原理，運用照相（以及錄音）手段把外界事物的影像（以及聲音）攝錄在膠片上，通過放映（同時還原聲音），用電的方式將活動影像投射到銀幕上（以及同步聲音）以表現一定內容的現代技術。

電影是一種視覺及聽覺藝術，利用膠捲、錄像帶或數位媒體將影像和聲音捕捉，再加上後期的編輯工作而成。

電影是一種綜合的現代藝術，亦正如藝術本身，有着複雜而繁多的科系。電影有很多類型，也有多種分類方法。

電影從有聲電影開始發展，到21世紀已經到了電影的特技時代了。運用大量的電腦特技製作出來的電影，受廣大中年以下的朋友歡迎。

國外電影廣告在美國和英國的電影廣告中，有這樣八種標記：

（1）美國X——禁止未成年者觀看的影片，G——所有觀眾可看片，R——十七歲以下禁止觀看，PG——一般觀眾可看。

（2）英國U——內容正派片，A——一般觀眾可看片，X——18歲以下青少年禁看片，AA——少年兒童禁看的兇殺片。

電影其實就是為藝術而迂迴戲話的一幕聯想而已。

1911年意大利詩人和電影先驅者喬託·卡努杜發表了一篇名為《第七藝術宣言》的論著，他在世界電影史上第一次宣稱電影是一種表演藝術，從此，“第七藝術”就成為了電影藝術的同義詞。

現如今有3D電影，是視覺的“長寬高”；美國拍攝電影有5D拍攝技術。

電影領域的最高獎項為法國戛納國際電影節金棕櫚獎、意大利威尼斯國際電影節金獅獎、德國柏林國際電影節金熊獎、美國奧斯卡金像獎。

電影藝術借鑑了口頭敍事、文學、戲劇和視覺藝術等領域的一些早期傳統。已經以移動和/或投影圖像為特色的藝術和娛樂形式包括：

該頻閃動畫原理是在1833推出了具有phénakisticope並且在同樣適用西洋鏡自1866年以來，在翻轉書自1868年以來，和praxinoscope自1877年，才變成基本原則攝影獎。

至少早在 1843年，就對早期基於 phenakisticope 的動畫投影儀進行了實驗。Jules Duboscq 於 1853 年至 1890 年代在法國銷售了 phénakisticope 投影系統。

攝影術於 1839 年問世，但起初感光乳劑需要如此長的曝光時間，以至於拍攝移動的物體似乎是不可能的。至少早在 1844 年，就已經創建了一系列以不同姿勢擺姿勢的拍攝對象，以暗示運動序列或記錄一系列不同的視角。立體攝影的出現，伴隨着 1840 年代的早期實驗和 1850 年代初期以來的商業成功，引起了人們對通過增加捕捉色彩和運動的手段來完善攝影媒介的興趣。1849 年，約瑟夫·普拉託( Joseph Plateau)發表了將他的 phénakisticope 發明與立體鏡結合起來的想法，這是立體鏡發明者向他建議的Charles Wheatstone，並使用不同位置的石膏雕塑照片在組合設備中進行動畫處理。1852 年，Jules Duboscq 為“Stéréoscope-fantascope, ou Bïoscope”等儀器申請了專利。他在很短的時間內對其進行了少量宣傳。這是一次商業上的失敗，尚未找到完整的儀器，但根特大學的高原收藏中保存了一張活檢盤。它有一台機器的立體照片。

到 1850 年代後期，即時攝影的第一個例子出現併為運動攝影很快成為可能提供了希望，但幾十年後才成功地與實時記錄一系列連續圖像的方法相結合。1878 年，埃德沃德·邁布里奇( Eadweard Muybridge)最終成功地拍攝了一系列照片，拍攝了一匹正在奔跑的馬，其中有一組相機沿着賽道排成一排，並在櫥櫃卡片上以The Horse in Motion 的形式發表了結果。Muybridge 以及Étienne-Jules Marey、Ottomar Anschütz和許多其他人將創造更多計時攝影作品學習。邁布里奇在1880 年至 1895 年的講座中將他的數十個計時攝影系列的輪廓描繪在玻璃盤上，並用他的動物實驗鏡將它們投影。1887年，安舒茨開發了自己的電速鏡，將 24 個反正性攝影圖像作為運動圖像投影到玻璃盤上，循環為只要觀眾認為有趣。

Émile Reynaud在他 1877 年的 praxinoscope 專利申請中已經提到了投影圖像的可能性。1880 年 6 月 4 日，他在法國攝影學會上展示了一個 praxinoscope 投影設備，但在 1882 年之前並沒有將他的praxinoscope 投影機推向市場。然後他將該設備進一步開發成Théâtre Optique，該設備可以投射具有獨立背景的更長序列，並於 1888 年獲得專利. 他通過在數百個明膠板上繪製圖像，為這台機器製作了幾部電影，這些明膠板安裝在紙板框架中並附在布帶上。從 1892 年 10 月 28 日到 1900 年 3 月，雷諾在巴黎格雷萬博物館為總共超過 500,000 名參觀者舉辦了超過 12,800 場展覽。 ^[9] 

最早的電影只是一個靜態鏡頭，展示了一個事件或動作，沒有剪輯或其他電影技術。大約在 20 世紀之交，電影開始將幾個場景串在一起來講述一個故事。這些場景後來被分解成從不同距離和角度拍攝的多張照片。攝影機移動等其他技術被開發為用膠片講故事的有效方式。在1920 年代後期有聲電影在商業上實用之前，電影是一種純粹的視覺藝術，但這些創新的無聲電影已經掌握了公眾的想象力。劇院老闆並沒有讓觀眾只聽到放映機的噪音作為伴奏，而是聘請了一位鋼琴家或管風琴師，或者在大型城市劇院中聘請了一支完整的管絃樂隊，在任何特定時刻演奏適合電影情緒的音樂。到 1920 年代初，大多數電影都附帶了用於此目的的準備好的樂譜清單，並且為主要作品創作了完整的電影配樂。

歐洲電影的興起是由爆發打斷了第一次世界大戰，而電影業在美國與崛起蓬勃發展的好萊塢，通過創新工作為代表的最顯着的格里菲斯在一個國家的誕生（1915年）和不容忍（1916 年）。然而，在 1920 年代，愛森斯坦、FW Murnau和弗裏茨·朗等歐洲電影人，在很多方面都受到了格里菲斯電影在戰時的飛速進步以及查爾斯·卓別林、巴斯特·基頓的貢獻 和其他人，迅速趕上美國電影製作，並繼續進一步推動媒體發展。 ^[9] 

在 1920 年代，電子錄音技術的發展使得將語音、音樂和音效的音軌與屏幕上的動作同步變得切實可行。由此產生的有聲電影最初與通常的無聲“電影”或“電影”區分開來，稱它們為“電影”或“有聲電影”。他們進行的革命是迅速的。到 1930 年，無聲電影在美國幾乎絕跡，並已被稱為“舊媒體” ^[9] 

另一個主要的技術發展是引入了“自然色”，這意味着顏色是從自然中以攝影方式記錄下來的，而不是通過手工着色、模板着色或其他任意程序添加到黑白印刷品中，儘管最早的過程通常是產生的顏色在外觀上遠非“自然”。雖然有聲電影的出現很快使無聲電影和戲劇音樂家過時了，但彩色逐漸取代了黑白。關鍵創新是引入了三色帶版本的Technicolor過程，1932 年首先用於動畫卡通，然後也用於真人短片和一些故事片中的孤立序列，然後在 1935 年用於整部故事片，貝基夏普。過程的費用令人生畏，但有利票房收入增加形式的公眾反應通常證明增加成本是合理的。彩色電影的數量逐年緩慢增加。 ^[9] 

在 1950 年代初期，黑白電視的普及開始嚴重抑制北美劇院的上座率。為了吸引觀眾回到劇院，安裝了更大的屏幕、寬屏處理、極化 3D 投影和立體聲被引入，更多的電影是彩色的，這很快成為規則而不是例外。一些重要的主流好萊塢電影直到 1960 年代中期仍在製作黑白片，但它們標誌着一個時代的結束。彩色電視接收器自 1950 年代中期開始在美國上市，但起初它們非常昂貴，而且很少有彩色廣播。在 1960 年代，價格逐漸下降，彩色廣播變得普遍，銷售量激增。支持顏色的壓倒性的公眾判決是明確的。黑色和白色薄膜的最終亂舞曾在十年中期被釋放後，所有好萊塢電影製作的顏色被攝製，只有在“明星”製片人如堅持做平常例外彼得·博格達諾維奇和馬丁·斯科塞斯。 ^[9] 

在 1960 年代工作室系統衰落之後的幾十年裏，電影的製作和風格發生了變化。各種新浪潮運動（包括法國新浪潮、印度新浪潮、日本新浪潮和新好萊塢）和受過電影學校教育的獨立電影製片人的興起促成了 20 世紀下半葉媒體經歷的變化。從 1990 年代到 2000 年代，數字技術一直是變革的推動力。數字 3D 投影在很大程度上取代了早期容易出現問題的 3D 電影系統，並在 2010 年代初變得流行。 ^[9] 

全球影史最具盛名的劃時代影片之一，美國20世紀影業出品《阿凡達》在2009年首次公映時，就掀起了一陣觀影狂潮——本片以27多億美元一舉打破了 包括全球電影票房紀錄在內的20多項全球影史紀錄，並且至今還保持着全球原創（非續集）電影票房紀錄；此外本片還收穫了包括奧斯卡最佳藝術指導，最佳攝影，最佳視覺特效三項技術大獎，成為影史最具標誌性的里程碑。2021年3月12日在內地以3D和IMAX 3D格式重映 ^[10] 

星球大戰：原力覺醒 ( 2015 ) ^[11] 

復仇者聯盟3：無限戰爭 ( 2018 ) ^[12] 

2022年詹姆斯·卡梅隆執導的《阿凡達：水之道》內地定檔12月16日上映，同步北美。 ^[14] 

電影是人類知道其確切產生時間和成長曆程的藝術，是20世紀以來發展迅速、影響巨大的媒體，是政治、經濟、文化三位一體的創意產業。從19世紀末開始，法國、美國及其他地區的電影發明家們相繼發明了能摹擬人的眼睛和耳朵的光聲記錄和還原的技術和機器，這種電影技術從一誕生，就被企業家發展成為電影生意，被政治家發展成為意識形態，被藝術家發展成為電影藝術，被研究者發展成為電影理論。一部電影發展史同時也是電影人探索電影規律的歷史。

商人首先看出電影是一項有利可圖的發明，迅速建立了最初的電影公司。到20世紀早期，電影公司集中資金建立製片基地，購買昂貴的製作設備，籌資進行故事片的生產，依靠大量觀眾集體買票觀影來牟利。這就形成商業電影生產與銷售模式的雛形。梅里愛的明星影片公司、愛迪生托拉斯和比沃格拉夫托拉斯是早期電影公司的代表。而電影語言及電影藝術的誕生和發展，與導演實踐和理論探索息息相關，最初西洋鏡雜耍的製作人是導演的雛形，隨着對電影表現方式和電影特性的探索，相繼出現了盧米埃爾兄弟、喬治·梅里愛、埃德温·鮑特和格里菲斯等早期的電影藝術探索者，這些電影先驅拓展了電影語言和電影創意的可能性。早期的電影創作、電影經營和電影探索是三位一體的，此時，電影製作者同時也是電影語言的探索者，還是電影的經營者，是具有完備職能的電影人雛形。

華爾街為追逐電影工業壟斷經營所藴含的巨大利益而介入電影業，電影業之間兼併、收購併形成壟斷，迅速掀起了一股兼併浪潮。到20世紀20年代初，好萊塢只剩下八大製片廠，即米高梅、派拉蒙、華納兄弟、二十世紀福克斯、雷電華、環球、聯美和哥倫比亞公司。八大公司不僅壟斷了美國電影的國內市場，而且迅速取代了法國電影業當時在歐洲市場的霸主地位。製片廠的主要制度特點包括類型電影的配方式生產、流水線配比、大規模製造、明星制營銷和首輪影院體系。由於製片廠強調集體的智慧和細密的分工，最初電影人的完備雛形被消解在集體的合作之中，電影的創作和經營等關鍵職能也被分解，這個體系需要統一的指揮和調度職能，特定電影的控制權被集中到製片人手裏，形成了製片人中心制。大量的拍片機會造就了大批業務嫺熟的職業導演，支撐了好萊塢的大規模生產以及技術升級後帶來的產業發展的黃金時代。

美國電影的強大競爭力迫使歐洲電影尋求突破；19世紀末在歐洲興起的現代主義文藝思潮也對電影發展提供了新的可能性，形成一系列歐洲先鋒電影活動，其發端於1910年代末期，於20世紀20年代達到鼎盛，活動中心主要是德國和法國，大批學者和藝術家成為導演。歐洲先鋒電影一般包括印象派電影、抽象電影、純電影、絕對電影和超現實主義電影等具體流派，代表流派、人物和作品包括印象派德呂克的《狂熱》、抽象電影費爾南德·萊謝爾的《機器的舞蹈》、純電影謝爾曼·杜拉克的《第927號唱片》、超現實主義電影路易斯·布努埃爾的《一條安達魯狗》等等。這種突出個體風格的電影加強了導演對於影片的控制權。

世界另一邊的蘇聯，自立國起就特別重視電影的意識形態功能，積極培養了一批具有才華的電影人，由庫裏肖夫、愛森斯坦、普多夫金等為代表的蘇聯電影學派，提出了第一個具有重要意義的導演創作理論：蒙太奇理論，並用之於創作實踐，實施導演中心制原則，不朽之作《戰艦波將金號》等就是這一理論的實踐成果。

“二戰”改變了世界格局，同樣深刻地影響了電影。“二戰”的創傷以及戰後的政治幻滅，使得整整一代青年人以創作等方式盡情傾吐自己的失望和憤怒。以1945年羅西里尼拍攝的《羅馬，不設防城市》為發端，在意大利興起了一次具有社會進步意義並以藝術創新為特徵的電影運動，這次電影運動後來被稱為意大利新現實主義。而1956年，格里高利·丘赫萊伊，根據鮑·拉普列涅夫的同名小説拍攝了電影《第四十一》，拉開了蘇聯詩電影的序幕，蘇聯開始迎來斯大林後的一個電影創作的春天。

在法國，巴贊開始通過《電影手冊》聚集起一些對電影敍事和電影本體進行深入研究的年輕人，巴贊對蒙太奇思維與表現方式提出了尖鋭的批評，並提出了著名的“長鏡頭（景深）”理論。《電影手冊》還專門研究經典好萊塢，從好萊塢商業片導演中發掘出了電影作者。法國湧現出一批處女作導演，1958年，法國《快報》週刊專欄記者法郎索瓦茲·吉魯首次使用“新浪潮”來描述新湧現的電影現象。新浪潮電影如《四百下》和《精疲力竭》，既反映了整個時代，也充分反映了創作者個人的認識、思索與風格。新浪潮是一次製片技術與製片方法的革命。從新浪潮電影的實踐來看，新人們普遍反對好萊塢的製片人中心制，主張電影作者論。如戈達爾認為“拍電影就是寫作”，與此同時，部分新浪潮電影實現了獨立製片，這對美國和其他國家制片制度的發展和完善產生了重要的影響。

電影作者論是導演研究的重要理論，對導演實踐具有重要指導作用。該理論由法國新浪潮主要人物：特呂弗、戈達爾、夏布洛爾等人提出，主張電影像小説、音樂、繪畫一樣是一個人的作品，即電影作家——導演個人的作品。不是所有導演都能稱為“作者”。電影作者資格包含：（1）在一批影片中體現出導演個性和個人風格特徵，把個人的東西帶入題材，導演不是一個執行者。（2）影片應具有某種內在涵義，是後天形成而非先前存在的。（3）電影作者是對電影製作全面控制的人，無導演、編劇的區分。戈達爾、特呂弗、安東尼奧尼、費里尼、希區柯克等人是電影作者的代表人物。具備電影作者論資格所拍的電影才是“作者電影”。作者電影與類型電影相對，也稱藝術片。作者論的實質是強調電影導演是主要創作人和最終定稿人，其判定依據是導演對作品的控制。

可以説在電影百年的歷程中，創作啓發理論，理論推動創作，成為一個交互發展的過程。電影理論的發展和各次重要的電影創作運動緊密相關。蘇聯學派的探索、法國和德國的先鋒派實踐以及意大利新現實主義分別啓發了蒙太奇理論、先鋒派理論和真實美學的建立。法國新浪潮運動與法國電影手冊派交相輝映，享譽世界。愛森斯坦的蒙太奇理論和巴讚的長鏡頭理論深化了我們對電影的認識；電影作者論則強調了導演的核心作用，加強了對電影實踐的指導。而好萊塢的製片廠體制、類型片模式及後來的新好萊塢獨立製片是電影產業化的典範。完全導演論則在電影作者論和製片人中心制的基礎上充分考慮導演的完整職能以及與投資人的關係，建立了從新好萊塢、新浪潮到新生代的導演模型和導演資本制的應用原則。

科幻電影，奇幻電影，動作電影，動畫電影，恐怖電影，懸疑電影，冒險片，傳記片，喜劇電影，犯罪片，記錄電影，戲劇電影，家庭電影，黑色電影，歷史片，音樂電影，歌舞片，愛情片，短片，體育電影，驚悚片，戰爭片，西部片。

院線電影：在電影院上映的電影。

網絡電影：僅在網絡視頻平台上映的電影。

電視電影：僅在電視熒屏上映的電影。

錄像電影：僅以錄像帶、DVD、VCD等方式發行的電影。

電影是一種以現代科技成果為工具與材料，運用創造視覺形象和鏡頭組接的表現手段，在銀幕的空間和時間裏，塑造運動的、音畫結合的、逼真的具體形象，以反映社會生活的現代藝術。電影能準確地“還原”現實世界，“展現”虛擬世界，給人以逼真感，親近感，宛如身臨其境。電影的這種特性，可以滿足人們更廣闊、更真實地感受生活的願望。

電影的幀速率一般是24幀每秒，隨着技術的提升，即將出現48幀甚至60幀每秒的電影。

“使一塊燃燒着的木炭在被揮動時變成一條火帶，這種現象曾被古時的人們發現過。”但是，將這種視覺現象同電影的發明聯繫起來，卻是19世紀的事情。1829年，比利時著名的物理學家約瑟夫·普拉託為了進一步考察人眼耐光的限度，他曾一次長時間對着強烈的日光凝目而視，結果雙目失明。但他發現太陽的影子卻深深地印在了他的眼睛裏，他終於發現了“視覺滯留”的原理，即：當人們眼前的物體被移走之後，該物體反映在視網膜上的物象不會立即消失，會繼續短暫滯留一段時間。實驗證明，物象滯留的時間一般為0.1～0.4秒。與此同時，在歐洲的物理學教科書和物理實驗室中，也開始採用“法拉第輪”的原理和圖畫“幻盤”旋轉的視覺研究。它們向人類表明，人眼視覺的生理功能可以將一系列獨立的畫面組合起來，成為連續運動的視象。19世紀30年代，詭盤、走馬盤、輪車盤、活動視鏡和頻閃觀察器等視覺玩具相繼出現。其基本原理大同小異，即在能夠轉動的活動視盤上畫上一連串的圖像，而當視盤轉動起來時那些呆滯的、無生命的圖象便運動起來，活靈活現。此後，奧地利人又將幻燈和活動視盤相結合，使繪製的靜止的圖畫投影在銀幕上，製作出活動幻燈，形成了早期動畫。然而，到了上個世紀60年代，電影理論家和教育家對“視覺滯留”的問題提出了新的疑義，他們發現銀幕上的全部運動現象實際上是跳躍的、不連貫的，但觀眾卻意識到那是一個統一、完整的動作連續。由此證明，真正起作用的不是“視覺滯留”，而是“心理認可”。

攝影術同樣產生於19世紀的歐洲。1839年，法國人達蓋爾根據文藝復興以後在繪畫上的小孔成像的原理，並使用化學方法，將形象永久地固定下來，“達蓋爾照相法”產生。1872年，最先將“照相法”運用於連續拍攝的，是攝影師愛德華·幕布裏奇。他曾在5年的時間裏，多次運用多架照相機給一匹正在奔跑的馬進行連續拍攝的實驗，並於1878年獲得成功。1882年，法國人馬萊利用左輪手槍的間歇原理，研製了一種可以進行連續拍攝的“攝影槍”。此後他又發明了“軟片式連續攝影機”。終於以一架攝影機開始取代了幕布裏奇用一組照相機拍攝活動物體的方法。在歐洲，許多國家中的科學家、發明家們也都研製了不同類型的攝影機。其中，美國的托馬斯·愛迪生和他的機械師狄克為了使膠片在攝影機中以同樣間隔進行移動，而發明了在膠片兩邊打上孔洞的牽引方法，解決了機械傳動的技術問題。“活動照相”的“攝影術”得以完成。

國內第一本引進講解拍攝的圖書為電子工業出版社的《大師鏡頭：低成本拍大片的100個高級技巧》，第一次將電影拍攝技術介紹給非專業人羣。內容涵蓋拍攝打鬥鏡頭、追逐鏡頭、恐怖鏡頭、出場與退場、車內場景、對話場景、爭吵衝突場景、愛情激情場景等各種技巧。

中國電影產業高速增長，總票房及單一影片票房屢創新高，電影投資成本也有水漲船高之勢。而隨着債權融資、直接投資、廣告收入與版權預售在內的多層次電影投融資渠道的日益完善，中國電影產業融資鏈條上兩個我們無法忽視的薄弱環節變得更加明顯：不可控的單一電影投資風險及無法完片發行風險。

2000年以來美國每年發行的600多部影片中，大約只有1/4的影片盈利，但已足以彌補其餘影片的虧損，併為製片發行方帶來高額回報。電影市場回報的高度不確定性，決定了投資組合理念盛行。

相比2000年以前的單一電影融資機制，國內外電影人也更加青睞於新興的投資組合運作：它將投資人的資本按科學比例組合投在多個電影項目上，在3至5年，甚至更長時間內分期製作、發行。並以其差異性和投資方式的組合性，可以最大限度地降低投資風險，儘可能提升電影組合的整體投資回報。

好萊塢早在1995年就將投資組合理論運用於電影投資，因此吸引了大批保險資金和養老基金。通常一個投資組合中會包括20至25部風格不同的電影，這極大地壓低了投資人的風險。如今這一理念也傳入中國，國影投資基金便是採用這一理念運作的。

完片擔保更是好萊塢電影融資的關鍵流程，其相關方包括電影上游的投資人、電影下游的製作方及作為第三方的擔保方，而一般而言，包括保險公司與擔保公司在內的電影擔保方才是整個融資鏈條的核心。完片擔保方需要保證電影的投資，而製片人在落實了可供拍攝的劇本、導演及部分主要演員的基礎上，在影片開拍前，提前預售電影全部或部分版權。這通常涉及與發行方進行談判，包括其發行地域、發行條件及分成比例、合約類型等，也包括影片的其他技術要素：按照什麼技術規範拍攝、交片檔期、各自的任務銜接等。這些預售合約如果是和一些知名製片公司籤的，或具備一個出色的主創團隊，就能夠作為製片貸款的附件，為其增加砝碼。

投資方若有完片公司擔保，能夠確認影片在遵照預售合約設定的條件下，在約定日期前交到發行商手裏，就能促進發行商提前支付訂金。相反，如果沒有完片擔保合約，銀行及其他投資人不會放心投資，製片人也難以提供預付款項；沒有完片擔保，電影產品甚至不能完成並交片。

電影製作方需要資金拍攝新電影時，一般會通過擔保方尋找上游機構進行投資。而電影擔保方既要了解整個電影的結構、劇情、演員，從而準確評估電影將來的票房收入，又要説服上游資本投資該影片。從某種程度而言，擔保方對電影製作的上下游存在着很強的滲透和控制能力，這也是電影市場成熟的標誌之一。

作為21世紀國際上知名的電影完片擔保公司，比如Cine Finance，能為客户提供專業的電影完成擔保服務，併為日趨綜合性的複雜業務提供創意解決方案，並適應於國際化的聯合制作、税收結構和地區性的扶助金政策，輔助製片人為其影片的投資打通渠道，確定方案。

在影視融資擔保方面，不少機構正在進行積極探索，如具有國資背景的北京國華文創融資擔保有限公司就向實際運營2年以上的影視劇製作、發行公司提供6至24個月且額度300萬元至3000萬元不等的專項貸款，但規定其實物資產抵押物價值不低於貸款金額的30%，並採用了以應收賬款、股權、有價證券或依法可以轉讓的商標專用權、專利權、著作權中的財產權質押，企業控制人提供個人無限連帶責任等多種反擔保措施。筆者認為，諸如多片整合與完片擔保等在內的融資機制的不斷推陳出新，也將推動我國電影產業融資產業鏈的進一步完善。

光學影戲機(3張)

1888年，法國人埃米爾·雷諾發明了“光學影戲機”，人們開始可以在幕布上看到幾分鐘的活動影戲，比如《可憐的比埃》。

1895年盧米埃爾兄弟向大眾展現《火車進站》的畫面時，觀眾被幾乎是活生生的影像嚇得驚惶四散。從此，由他們所啓動的活動攝影（cinematogrphy）不只在人類紀實工具的發展史上展現了劃時代的意義，火車進站的鏡頭也象徵了電影技術發展的源起。

採用70毫米的電影放映技術，因其銀幕巨大而稱超大。其銀幕高度為21米，寬度為30米，相當於七層樓的高度。銀幕之大而成為世界之罕見。它具有畫面穩定、清晰、色彩還原正常等特點，銀幕上景物真實而恢宏的場面，給人以美的欣賞與動的感受，隨着遠近鏡頭的推拉，將把您帶入富異國情調的美麗的大自然之中。

影廳採用70毫米放映設備，半球形銀幕直徑達18米，觀眾觀看電影時，整個畫面佈滿球體，而不是銀幕邊緣，透射型的金屬銀幕，六聲道的立體聲效果，使觀眾享受變化萬千，栩栩如生的萬千氣象。影廳內的動感平台，是集液壓、電器自動化控制、計算機動畫為一體的高科技系統工程，當您坐在平台載體上，整個載體能上下升降，左右傾斜，前後俯仰，即可模擬航天器去遨遊太空，也可模擬潛水器，飽覽海底世界的奇特景象，隨着逼真的畫面和平台載體的活動，讓人不由自主的進入角色，造成十分真實和驚險刺激的特殊感覺，球幕動感電影填補了國內空白。

水幕電影(3張)

與一常規電影完全不同。它是利用高壓水泵通過特製的噴頭，將水自下而上噴出，使水霧化並形成扇面形銀幕。此銀幕與自然界的夜空連成一片，人物出入畫面，忽而騰起飛向天空，忽而又從天而降，產生一種虛幻縹緲的感覺，似海市蜃樓。水幕電影在我國還很少見。

環幕電影：環幕電影也稱360度圓周電影，廳內呈圓形周邊是由九塊銀幕組成一個環形銀幕，由九台放映機同時放映，觀眾觀摩時，站在圓周中心位置，前瞻後矚，左顧右盼，目不暇接，畫面景象壯觀，氣勢磅礴，加上多聲道立體聲效果，一種身臨其境的強烈感覺，會呈現於觀眾的面前。

3D電影是利用光學原理與人眼的視差相配合產生的一種奇特的空間影像和立體效果，當您戴上特製的偏光眼鏡，就會感到銀幕上的一切景物和大自然一樣，存在着遠近前後不同距離，有的景物近在眼前，似乎垂手可得，當某一物體朝你快速推進，你會感到物體猛地向頭部襲來，使你大吃一驚。

隨着互聯網的發展，P2P作為一種新興的網絡電影播放形式，以其速度快，少緩衝，人越多越不卡的優點成為廣大網友所喜歡的一些電影播放形式，網絡中的電影播放形式又叫在線電影，讓你足不出户就可以在網絡的海洋裏，看到你所想看到的電影。

如今還未能推出，但是隨着其發展，將很快進入我們生活。其實，角色電影就是以第一人稱的視角，拍出來的電影，我們所玩的遊戲就可以算作角色電影。

電影鏡頭運用的技巧手法之一。其表現為銀幕上映出的活動影像驟然停止而成為靜止畫面（呆照）。定格是動作的剎那間“凝結”，顯示宛若雕塑的靜態美，用以突出或渲染某一場面、某種神態、某個細節等。具體制作方法是，選取所攝鏡頭中的某一格畫面，通過印片機重複印片，使這一停止畫面延伸到所需長度。根據鏡頭剪輯的需要，定格處理可由動（活動畫面）到靜（定格畫面），也可由靜（定格畫面）到動（活動畫面）；也有的在影片結尾時，用定格表明故事結束，或藉此點題，以便給觀眾留有回味。定格是指將上一段的結尾畫面動作作靜幀處理，使人產生瞬間的視覺停頓，接着出現下一段的第一個畫面。

4D電影是將震動、吹風、噴水、煙霧、氣泡、氣味、佈景，人物表演等特技效果引入3D（即立體電影）影片中。形成一種獨特的表演形式，這是當今流行的4D電影。

實際上這是一個偽概念，1D（一維）指的是隻有長或寬，2D是指有長和寬，3D是指有長寬高，4D則是指帶有時間維度的3D，所以這裏的4D是一個偽概念。比如我們就生存在三維空間（3D），時間與空間是整體，不能分割。也有説我們處於四維，空間三維，時間一維。時間軸上每一點都是一個三維的場景組成，這才構成世界。所以這是偽概念。實際上我們所玩的3D遊戲只是在平面表現空間，實際意義只能説是2D，而真正的3D是全息投影。

據粗略統計，全世界六大洲六十多個國家和地區單獨舉辦或輪流舉辦的具有各種不同宗旨的國際電影節已超過三百個。

歐洲是國際電影節的發源地，現有24個國家，先後舉辦144個電影節。其中意大利27個，法國26個，西班牙23個，三個國家共76個，佔歐洲總數的一半左右。

歐洲三大國際電影節，亦稱世界三大國際電影節，是國際A類電影節中最權威、最著名、最具影響力的三個電影節，分別為：意大利威尼斯國際電影節、法國戛納國際電影節、德國柏林國際電影節。美國奧斯卡金像獎與歐洲三大國際電影節被譽為世界影壇最重要的四大電影殿堂。

注：美國奧斯卡金像獎是美國本土的電影獎，而非電影節。為了增加國際性，奧斯卡金像獎從1948年起增設“最佳外語片獎”。從20世紀70年代起，每年頒獎儀式都由通訊衞星向全世界作實況轉播，因此奧斯卡金像獎就更具全球性的影響了。

法國戛納國際電影節（金棕櫚獎）

意大利威尼斯國際電影節（金獅獎）

德國柏林國際電影節（金熊獎）

瑞士洛迦諾國際電影節（金豹獎）

西班牙聖塞巴斯蒂安國際電影節（金貝殼獎）

捷克卡羅維法利國際電影節（水晶球獎）

俄羅斯莫斯科國際電影節（聖喬治獎）

波蘭華沙國際電影節（華沙大獎）

愛沙尼亞塔林黑夜國際電影節（金狼獎）

加拿大蒙特利爾國際電影節（美洲大獎）

阿根廷馬塔布拉塔國際電影節（金樹商陸獎）

日本東京國際電影節（金麒麟獎）

中國上海國際電影節（金爵獎）

印度國際電影節（金孔雀獎）

埃及開羅國際電影節（金字塔獎）

美國聖丹斯電影節

美國芝加哥國際電影節

美國紐約國際電影節

美國聖地亞哥國際兒童電影節

美國維多利亞獨立電影節

美國西雅圖國際電影節

美國夏威夷國際電影節

美國好萊塢國際電影節

加拿大多倫多國際電影節

加拿大多倫多亞洲國際電影節

加拿大温哥華國際電影節

哥倫比亞波哥大國際電影節

英國倫敦國際電影節

英國愛丁堡國際電影節

英國倫敦短片電影節

法國南特三大洲電影節

德國漢堡國際電影節

德國慕尼黑華語電影節

意大利遠東電影節

意大利都靈國際電影節

荷蘭鹿特丹國際電影節

瑞士盧卡諾電影節

瑞士佛瑞堡電影節

瑞典斯德哥爾摩國際電影節

瑞典哥德堡國際電影節

比利時布魯塞爾國際奇幻電影節

奧地利維也納國際電影節

西班牙錫切斯電影節

挪威特羅姆瑟國際電影節

波斯尼亞-黑塞哥維那薩拉熱窩電影節

日本山形國際紀錄片電影節

日本福岡國際電影節

韓國釜山國際電影節

韓國全州國際電影節

泰國曼谷國際電影節

阿聯酋迪拜國際電影節

突尼斯迦太基國際電影節

世界三大國際電影節——戛納國際電影節、威尼斯國際電影節、柏林國際電影節

國際電影節之父——威尼斯國際電影節

最權威的國際電影節——戛納國際電影節

東西方電影對話的橋樑——柏林國際電影節

電影節中的電影節——倫敦國際電影節

象徵和平與友誼的電影節——莫斯科國際電影節

北美洲的電影節——蒙特利爾世界電影節

中國影片獲獎最多的電影節——卡羅維發利國際電影節

上海國際電影節 ^[3] 

北京國際電影節 ^[4] 

歐洲三大國際電影節最高獎項金棕櫚獎、金熊獎、金獅獎是電影領域的國際最高獎項。

美國奧斯卡金像獎

美國洛杉磯金酸莓獎

美國青少年選擇獎

中國電影導演協會獎

電影頻道電視電影百合獎

香港電影導演會獎

香港電影評論學會獎

韓國電影青龍獎

中國最早放映的電影——“西洋影戲”，1896年8月11日法國商人在上海徐園“又一村”茶樓內放映。

中國第一部電影——《定軍山》，戲曲片京劇，長約半小時的無聲片，包括《請纓》《舞刀》等片段，1905年（清光緒三十一年）由北京豐泰照相館攝製。

中國第一座電影院——伊留繼昂電影院，1905年由俄籍建築設計師、猶太人潘·瓦·科勃採夫開設的哈爾濱第一家電影院，原址在道里區西十二道街和中央大街交口處。

中國第一個電影攝製公司——亞細亞影戲公司，1909年美籍俄裔商人本傑明·布拉斯基（Benjamin Brasky）久慕上海這塊生財富地，不遠萬里來到上海香港路創辦。 ^[5] 

中國第一部短故事片——《難夫難妻》（又名《洞房花燭》），1913年在上海拍攝的無聲片，鄭正秋編劇，鄭正秋和張石川聯合導演。此片是由亞細亞影戲公司開張後的第一部作品，首開家庭倫理劇之先河。

中國第一部長故事片——《閻瑞生》，1921年中國影戲研究社在上海拍攝。

中國現存最早的一部可放映電影——《勞工之愛情》（又名《擲果緣》），1922年由張石川導演。

中國第一部有聲電影——《歌女紅牡丹》，明星影片公司1931年攝製，採用蠟盤配音技術。

中國第一部獲得國際榮譽的影片——《漁光曲》，20世紀30年代由蔡楚生導演，厲麟似等推介參加莫斯科國際電影節，榮獲第九名。 ^[8] 

中國第一部長動畫片——《鐵扇公主》，1941年製作完成，公映後受到好評。

中國第一部彩色電影——《生死恨》，1948年拍攝於上海的戲曲片，由華藝影片公司出品，費穆導演，梅蘭芳主演，著名攝影師黃紹芬為攝影指導，李生偉任攝影師。

新中國成立後第一部故事片——《橋》，編劇于敏，導演王濱，東北電影製片廠1949年攝製。

新中國成立後的第一部譯製片——《團的兒子》（原譯名《小英雄》），楊範、陳涓翻譯，周彥譯製導演，上海電影製片廠1950年譯製。

中國第一部彩色舞台紀錄片——《梁山伯與祝英台》，編劇徐進、桑弧，導演桑弧、黃沙，上海電影製片廠1953年攝製。

中國第一部彩色故事片——《祝福》，魯迅原著，夏衍改編，桑弧導演，北京電影製片廠1956年攝製。

中國第一次在國際上獲獎美術片——《神筆》，1956年的木偶片，獲第8屆意大利威尼斯國際兒童電影節8至12歲的兒童文娛片一等獎。

我國與外國合拍的第一部彩色故事片——《風箏》，1958年由北京電影製片廠與法國加朗斯公司合攝，導演王家乙、羅歇·比果。

中國第一部剪紙片——《豬八戒吃西瓜》，1958年由萬古蟾導演，為美術影片增添了一個新品種。

中國第一部彩色寬銀幕故事片——《老兵新傳》，編劇李準，導演沈浮，上海海燕電影製片廠1959年攝製。

中國第一部彩色立體銀幕故事片——《魔術師的奇遇》，編劇王煉、陳恭敏、桑弧，導演桑弧，上海天馬電影製片廠1962年攝製。

中國第一部遮幅式寬銀幕故事片——《青春》，1977年由李雲官、王煉編劇，謝晉導演。

中國第一部現代音樂故事片——《震撼》，由長春電影製片廠和北京法宣影視文化有限公司共同製作，1980年上映。

中國第一部獲得柏林國際電影節金熊獎的電影——《紅高粱》，1987年由張藝謀執導。

中國第一部獲得威尼斯國際電影節金獅獎的電影——《悲情城市》，1989年由侯孝賢執導。

中國第一部獲得戛納國際電影節金棕櫚獎的電影——《霸王別姬》，1993年由陳凱歌執導。

中國海外預售最高動畫片——《龍之谷·破曉奇兵》，2014年上映。

中國國產電影票房第一名——《長津湖》 ^[15]  。